hier das Neue

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September 4-8, 2024

Ars Electronica Festival, Linz /AT

The performances shown are the result of process-oriented research that brings together participatory theatre, sociology, speculative dramaturgy, technology, and new media. The theatrical performances range from the confrontation with wishes and dreams to the unpredictable social games of life and feminist sci-fi worldbuilding – every aspect can be experienced. Risks are to be taken, dreams are to be had, wishes are to be realized, fortunes to be won, new worlds to be built!

Theatre is a social art form in which co-poietic feedback loops between various physicalities can be tested as indisputable concepts. Exploring technology as a tool for translation into new experiences and social relationships is at the heart of the Spiel && Objekt MA programme. Spiel && Objekt believes that the combination of technology, critique, and theatrical methods enables genuine participation and interpersonal and interspecies connections that critically reflect different aspects of society and our environment.

Audiences will explore unknown worlds, immerse themselves in dreams, uncover their desires and compete for prizes. With every show, participants get a chance to playfully “turn the tide” and change the course of events. There are contexts, technologies and tools to try out as “carriers of hope”.

Our campus space will constantly change, with various time-based and interactive performances available at selected times. The space will change from futuristic feminist worlds to strange planets to dreamscapes and games of chance. Despite their diversity, all the settings and performances will constantly complement each other when viewed individually.

FULL CREDITS

Mari Hakyopan (Spiel und Objekt)

Friedel Hänsel (Spiel und Objekt)

Veronika Rišňovská (Spiel und Objekt)

Leonie Kopineck (Spiel und Objekt)

Jonas Olbrich (Spiel und Objekt)

Jeffrey van der Geest (Spiel und Objekt)

Cecilia Xuetong

Helena Zaïda

Szerafina Schiesser

Frederik Britzlmair

Alissa Schaaf

Taale Frese

Paul Voell

Jonas Roscher

Ella Shields

Angelica Black

Rohan Mirkovic

PROJECTS:

Masterabschluss Spiel && Objekt von Jonas Olbrich / Photo Credit: Maximilian Grosser / HfS Ernst Busch Berlin

Fortune’s Crumbs

Jonas Olbrich (DE)

The neoliberal ideology tells the fairytale of a world in which everyone can make it. In reality, however, injustice is increasing every day. This is because no effort is made to actually reward hard work. Would it even be credible to reward hard work in a meritocratic society based on the division of labour?

Fortunately, the days of injustice are over. Whether you call it God, fate, or providence, chance takes care of the distribution issue. Chance shapes society without merit. Chance decides what is fair.

Masterabschluss Spiel && Objekt von Friedel Hänsel, Leonie Kopineck und Vero Roza / Photo Credit: Maximilian Grosser / HfS Ernst Busch Berlin

There always will have been worlds

Friedel Hänsel (DE), Leonie Kopineck (DE), Vero Roza

Risnovska (SK)

Everything that breathes cares and is cared for. You enter a world and merge with it – a society shaped through care, through action but also inaction. The simple acts of collective and individual efforts can change the world.

There always will have been worlds is a participatory theater piece that explores the thin lines and boundaries between caring, carrying, and controlling. It is a playful event that experiments with sensors, bodies, sounds, and wearables and their connections to a three-dimensional virtual world.

Masterabschluss Spiel && Objekt von Mari Hakopyan / Photo Credit: Maximilian Grosser / HfS Ernst Busch Berlin

WishWhoosh

Mari Hakopyan (UA)

In the fabric of existence, woven with threads of intention, lies the profound influence of wishes.

Yet, the journey of a wish is not merely unidirectional. Just as wishes shape matter, so does matter mold wishes reciprocally. Harness the transformative power of loose sand to build and destroy everything your world should consist of fluently.

As we navigate the labyrinth of life, let us remember the impact of our wishes, like the transformative power of loose sand. Embrace this power so that they can shape our existence.

Masterabschluss Spiel && Objekt von Jeffrey van der Geest / Photo Credit: Maximilian Grosser / HfS Ernst Busch Berlin

Slaap Lekker

Jeffrey van der Geest (NL/AU)

Grieving is hard. Sometimes we laugh, sometimes we cry, sometimes we can’t escape, and sometimes we just feel. It can even happen that the people we have lost visit us in our dreams. Is it our subconscious playing a trick on us, a touch of hope, or perhaps a silent message trying to reach us? Imagine if we could pause for a moment instead of simply moving on and cast renewed access into those dreams. What if we could create our flow of subconscious as a virtual space to hear the stories of those who have experienced grief?

IM ANFANG WAR DER ZAUN – EINE PERFORMATIVE KARTOGRAFIE GEGENWÄRTIGER MAUERN feiert am 01.09.2023 am Schauspiel Köln Premiere. Die Inszenierung entsteht in Kooperation des freien Theaterkollektivs what about: fuego und des Schauspiel Kölns und beschäftigt sich mit zeitgenössischen Grenzmauern auf der ganzen Welt.

„Über dreißig Jahre nach dem Fall der Berliner Mauer leben wir in einer vernetzten, globalisierten Welt, in der Reise- und Handelsfreiheit großgeschrieben werden. Zugleich nimmt der Bau von Mauern und Grenzanlagen weltweit zu. […] Mauern inszenieren politische Souveränität und nationalstaatliche Einheit. Sie demonstrieren Sicherheit und Schutz für die Bevölkerung. Doch zugleich fördern und reproduzieren sie Ausbeutung, Entmachtung und Enteignung. […]“
(Ankündigungstext von der Website des Schauspiel Kölns)

Als Teil des Theaterkollektivs what about: fuego bin ich im Rahmen dieser Produktion neben der konzeptionellen Mitwirkung an der Stückentwicklung vor allem für die Entwicklung des Licht- und Videokonzeptes zuständig. Die Idee für das Videomapping entstand ausgehend von der Beschäftigung mit Counter-Cartography ( Kollektiv Orangotango +: This is not an Atlas, A Global Collection of Counnter-Cartographies, , transcript Verlag, Bielefeld, 2018).

„[…] the notion of an “Atlas” has come with a promise: to show the world as it really is, and to produce true knowledge about the surface of the earth. But as we know, truth and knowledge are deeply linked to power and hegemony.“ (ebd., S. 12)

Ich habe mit Hilfe der Software Isadora von Troikatronix ein System entwickelt, über welches Bilder und Karten live über einen Midi-Controller gedreht, verkleinert, vergrößert und verzerrt werden können. Wenn wir uns als weiße Europäer*innen die Welt vorstellen, dann sehen wir oft Europa in der Mitte und den Norden auf der oberen Hälfte der Karte. Diese Darstellung der Welt entspricht jedoch nicht der Realität. Beispielsweise sind die Größenverhältnisse der Kontinente in der 2D-Ansicht falsch dargestellt. Die Darstellung von Europa als Zentrum der Welt  ist Teil einer (post)kolonialen Weltanschauung, die sich immer weiter fortsetzen wird, wenn wir nicht beginnen neue Karten zu zeichnen.

„Maps articulate statements that are shaped by social relations, discourses and practices, but these statements also influence them in turn […] For us, critical cartography is an opportunity to critically work with maps.“ (ebd., S. 13)

warm up bat – Die Show ist eine fiktive Spielzeiteröffnung. Es ist die Behauptung der Übernahme des bat-Studiotheaters durch eine studentische kollektive Intendanz.

„Die Studierenden der HfS und des HZT starten in diesem Jahr ein Projekt, das es so noch nie gegeben hat: […] Alle Studierenden unterbrechen ihr Studium und arbeiten kollektiv an der Wiederbelebung des bat.  Mit festen Arbeitsverträgen als künstlerische Leitung führt die kollektive Intendanz […] für die nächsten 3 Jahre durch die Themen, die sie und natürlich auch euch bewegen.“ (Auszug aus der Moderation von Linda Glanz und Friederike Hänsel)

Im Rahmen der Show am 20.07.2023 zeigten Studierende Teaser und erste Skizzen ihrer neuesten innovativen Theaterkonzepte, gründeten neue Theatersparten und präsentierten neue digitale Technologien für Publikumsinteraktion unter dem Spielzeitmotto „be a flame“. Das Publikum verteilte die „flames“ mit einem Jubeltool und wurde eingeladen mitzuentscheiden, welche der vorgestellten Ideen und Konzepte in der neuen Spielzeit umgesetzt werden. Zusätzlich waren Interviews in Form einer Mockumentary von der kollektiven Intendanz zu sehen, in welcher die Studierenden ihre Konzepte noch weiter zuspitzten. Aber auch Menschen, die noch die alten Geschichten des bats kennen, kamen zu Wort. Ihre Erinnerungen an das alte bat und ihre Visionen und Wünsche für die neue kollektive Intendanz waren ebenfalls Teil der Eröffnungsshow. Ein Verschnitt von Geschichte und überzogener Zukunftsvision machte die Show zu einem einzigartigen Erlebnis, das am Ende vor allem die tatsächliche Sehnsucht nach studentischen Freiräumen für interdisziplinäre und außercurriculare Zusammenarbeit in den Fokus rückte.

warm up bat ist der Startschuss für ein studentisch organisiertes Festival an der HfS Ernst Busch, welches in den nächsten Jahren weiterentwickelt werden soll. Eine Woche lang besetzten Studierende der HfS und des HZT das bat und erprobten wie sie gemeinsam in kürzester Zeit eine Show auf die Bühne bringen können. Dabei ging es weniger um Perfektion, sondern um den Austausch und den Raum zum Spinnen und Experimentieren. Die Vorarbeit für dieses Festival entstand im Rahmen der Ensemblezeit in der einjährigen kollektiven Zusammenarbeit von Linda Glanz, Salome Kehlenbach, Taale Frese, Mona Schlatter und Friederike Hänsel. (Mentoring: Prof. Anja Kerschkewicz)

Tinkerning/tüfteln schwankt immer zwischen dem Zielbasiertem und dem Prozesshaften. Es steht immer nur der nächste Schritt im Fokus und dieser darf auch gerne mit Panzertape erreicht werden.
Es handelt sich nicht um einen klassischen Lern- oder Arbeitsprozess. Stattdessen werden halbverstandenen Tutorials mit Dingen, von denen man denkt man hätte sie längst verstanden vermengt. Wenn mein Code bereits funktioniert werde ich trotzdem noch zwei Stunden damit herumspielen, um ihn um eine nutzlose Funktion zu erweitern. Ist das dann verschwendete Zeit?
Wenn ich meine Kreation so gestalte, dass ich mich freue wenn irgendwo ein Lämpchen flackert, sich ein Förderband bewegt, oder etwas halbwegs stabil steht, dann ist doch alles erreicht. Dann scheint mir das sinnvoller zu sein, als im Buch das nächste Kapitel aufzuschlagen. Dann ist das der Moment in dem sich der Wissensbrei in meinem Schädel ein klein bisschen verhärtet.

geschnittene Tomaten.
Ich schneide Tomaten, um einen Burger zuzubereiten. Dabei bewege ich mich in einem Raum, der durch 29 Küchentheken begrenzt ist. Es gibt zwei Theken, auf denen ich meine Zutaten (Tomaten, Salat, Käse – wobei der Salat am längsten braucht) zerschneiden kann. Wenn ich das Burgerpatty in der Pfanne zubereite, muss ich aufpassen, dass es mir nicht verbrennt. Den Burger setze ich auf einem der vier Teller zusammen, die mir zur Verfügung stehen. Es gibt einen Mülleimer. Was hat ein Mini-Spiel, in dem ich Burger zubereite (oder besser gesagt, das Programmieren eben dieses), mit meiner künstlerischen Praxis zu tun?

Routinen.
In den letzten fünf Wochen habe ich versucht, eine Routine für mich zu etablieren. Mich mit Events, Splines, Scriptable Objects, Structs und und und auseinandergesetzt. Code geschrieben, “Fehler” übersehen und diese wieder behoben. Ich habe angefangen zu verstehen, was meine Möglichkeiten sind, wenn ich mich dazu entscheide, Unity als Werkzeug für meine eigene Arbeit zu benutzen. Ich habe begriffen, wie wichtig es mir ist, mich zunächst mit diesen Werkzeugen auseinanderzusetzen und deren Potential abzutasten. Was bedeutet es für meine Arbeit, wenn ich mit Unity/Arduinos/dem Bühnenraum/Schauspieler*innen arbeite? Welche Perspektiven und Räume eröffne ich?

Räume.
“Als wir dann auf der Bühne waren, hat alles Sinn gemacht”, sagte ein*e Schauspielerin im letzten Probenprozess bei der Endreflexion. Und ich frage mich: Warum? Wenn wir ein Thema, ein Stück auf die Bühne bringen, dann möchte ich auch darüber nachdenken, warum wir es genau an diesem Ort tun. Funktioniert das, was ich sagen will, auch in anderen Räumen? Gleichzeitig geben digitale Räume mir eine andere Flexibilität, darin Orte und Räume zu referenzieren und unsere Wahrnehmung eben dieser zu dekonstruieren.

Ich denke darüber nach, wie es ist, nicht das Spiel ins Theater zu holen, sondern das Theater ins Spiel.

Referenzen und Inspiration.

YouTube Tutorial: „Learn Unity Beginner/Intermediate 2023 (FREE COMPLETE Course – Unity Tutorial)“
https://www.youtube.com/watch?v=AmGSEH7QcDg

Alfie Brown – „The Playstation Dream World“

Martina Löw – „Raumsoziologie“

Ceylan Öztrük – „Wearing the Angles, Kissing the Room“
https://sophiensaele.com/en/archiv/stueck/ceylan-oeztruek-wearing-the-angles-kissing-the-room#trailer-2338

Apichatpong Weerasethakul – “A Conversation with the Sun (VR) ”
https://theaterderwelt.de/a_conversation_with_the_sun_vr/

We are very happy to share our documentation video on Hybride Formen with you – freshly rendered and produced by the wonderful Michelle Mantel!

If you have some time, you might like to get an impression of the interactive pieces, we were intensely working on – Feel cordially invited to watch the following links:

Three Perspectives, which was created in collaboration with students and actors of Theater Strahl, and the other piece “Playing Emissions” with scientists from HU Berlin and PIK Potsdam.

Three Perspectives:
https://buschcloud.hfs-berlin.de/s/8o4KtSjyWG9nafo

Playing Emissions:
https://buschcloud.hfs-berlin.de/s/an3qarKBpc28Bw3

In order to better capture the quality of participation in a video format, interviews with participants were also included at the end of the contributions. We at Spiel und Objekt really care about the question of how to make interactive qualities and participatory experiences well comprehensible, which dominantly can only be perceived in play-tests on site.